尼德兰、德国文艺复兴时期的美术

尼德兰文艺复兴美术除却文艺复兴的先道者意大利，14世纪末，尼德兰已渐渐成了欧洲文艺复兴绘画的又一个繁盛之地。“尼德兰”一词意为低凹之地，即今日的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部的部分地区，当时归西班牙统治。14世纪以后，当时的尼德兰是欧洲唯一可以与意大利相提并论的发达地区。在绘画上，为欧洲油画艺术的发展与完善作出了创造性的贡献。他们创造的油画技法影响了许多意大利画家。尼德兰与意大利的艺术有着各自的特点——第一，尼德兰的艺术存在着明显的细密画和镶嵌彩色玻璃的痕迹；第二，意大利流行壁画，尼德兰盛行祭坛画，第三，尼德兰不像意大利受着古代希腊的影响，而是有着较深的哥特式传统和中世纪影响；第四，意大利以古人的名义画现代女性，只是加一个“圣”或“神”的标签，对农村还没有足够的认识，尼德兰则不同，现实的遭遇使它担负着民族独立的任务。因而要求艺术家们：改进艺术表现手段，扩大艺术题材的范围。尼德兰文艺复兴美术发端于14世纪末到15世纪初,脱胎于中世纪哥特式艺术,代表人物:雕塑家斯留特尔,画家凡·艾克兄弟、康宾、维登等。提示——1、技法的创新和发展与文艺复兴的先后没有直接关系，比如尼德兰画家康宾很早将胶画完善到油画的成果就使最早“复兴文艺”的意大利画家受益颇多。2、尼德兰画家在技法与方法上实际是领先的，只是他们文艺复兴运动的步伐晚于意大利。基督诞生——康宾（1375_1444）作这幅作品所刻画的人物精神状态，令观者得出“活着也不是什么快活的事”。——然而却是一种真实的信仰状态。此画透视、色彩、暗部层次、绘画的精密程度都是其特色。受胎告知——康宾作此为祭坛画，中间为主体画，描绘天使驾临玛利亚的闺房传达上帝旨意；耳幅分别是供养人英加布列赫特夫妇像和圣徒约瑟木匠像。画面虽工整细腻，但却忽视人物精神的刻画，也不在意情节，天使仅作告知手势，而玛利亚则视而不见，听而不闻地在读圣经。画家更着力于借宗教故事，描绘人物的生活状态和环境道具，真实生动地刻画各种生活用品的质感和环境的空间感，显示出尼德兰传统细密画的深厚写实功力。从人物周围的各种用品和摆设及透过门窗远处街景描绘，可见静物画和风景画的成就，它奠定了后来的独立静物画和风景画的基础。授乳的圣母——康宾作康宾作画往往重视远处景物精微刻画。对他来说，画上事物不论远近都是可视的，并不关注焦点视差。这幅画上圣母的神情并不和谐，近处人物环境倒不如窗外的远景来得清楚细致。（如同用相机将焦点对准了远处）圣女巴巴拉——康宾作在康宾的画上，人物、环境和道具处于同等地位，画家都给予同样精微细腻的描绘。他在画中似乎只考虑宇宙的和谐，他所描绘的事物都是各自独立的，物象之间没有联系，前后没有空气透视感，远近相同。（这应该是画家故意为之的，对神的藐视恰恰反映了对统治者的不屑）根特祭坛画（打开时）——凡.艾克兄弟作所谓祭坛画，是画在木板上安置在教堂圣坛前面的画，有的类似可以折叠的屏风画。《根特祭坛画》是一种多翼式“开闭形”祭坛组画。每逢节日的礼拜盛会，祭坛的两翼伴随着音乐旋律被徐徐打开，辉煌夺目的12幅祭坛画便呈现在人们的眼前。根特祭坛画（合上时）——凡、艾克兄弟作凡埃克兄弟是尼德兰文艺复兴的奠基人之一，此画前后花了近十年才完成（细密的画法所致）根特祭坛画（局部）虽是宗教故事，但作者却表达了对自然、对人类的爱意。与康宾不同的是，作者对人物表情的描写细致入微。此画受到过威尼斯画派的影响。从绘画技法上说——这是世界上第一幅真正的油画。根特祭坛画局部——圣羊的礼赞画的中心部分，采用了全景式构图，人物安排合理，远处是尼德兰凤光（很聪明的用起伏的植被遮挡了城市的繁琐。）阿尔诺芬尼夫妇像——扬·凡埃克（弟弟1390_1441）作他更擅长画肖像，此画是他的代表作。阿尔诺芬尼是在1420年被菲利普公爵封为骑士的真实人物。画家真实地再现了夫妇的外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。十分有趣：阿尔诺芬尼夫妇的手势表示互相的忠贞，托着妻子的手表示丈夫要永远养活妻子；而妻子手心向上表明要永远忠于丈夫。在人物中间的墙上挂着一面镜子，镜框带有10个突出的朵状方形，每个方形内又置一个小圆形，每个圆形内画一幅耶稣的故事画，图像细小到难以识别。中心圆镜内反射出整个房间的景物。这种精微工整细腻的油画世界罕见，使用镜子反射来扩大画面的空间，是这幅杰作的又一特色，这些艺术特色对后来荷兰的风俗画有很大的影响和启示。基督降架——维登（1399_1464）画中描绘耶稣的门徒们从十字架上降下他的尸体情景。构图依凸形框布置人物，以耶稣为视觉中心，十个等身大的人物充满画面。每个人物的动态表情，既同有的悲怆气氛，又有符合各自性别、年龄、身份和个性的特点，呈现出整体的戏剧性效果。圣玛丽·麦格达伦——维登他笔下的人物肖像多处于静态，背景的风景被处理成独立的风景画，与人物没有什么联系，但画面表现很精致。韦登的画面简略，一般不画环境道具，往往将人物置于单纯的背景上，着力刻划人物的衣着复杂褶纹变化，使画面人物具有浮雕效果。他的画显示出哥特式雕刻的影响和尼德兰细密画精微刻画的质感和空间感的特点。最后的晚餐——波茨作（1415_1475）最后的晚餐——波茨作（1415_1475）作者没有按故事的“真实”来画，而是将晚餐安排在15世纪尼德兰的市民住宅餐室里，极富生活的气息：在哥特式的房间中，十二个门徒以耶稣为中心，围坐在铺着台布的桌子周围，人物安排以严整的几何形体为基础，巧妙利用地砖的透视来加强室内空间的推移深度。在背景上，垂手而立者正是画家本人自画像。整个画面严整均衡，建筑环境和人物衣着、道具被描绘得精细入微，透视和明暗处理统一和谐。唯有人物形象尚保留某些类型化倾向，目光呆滞注视着空朦的远方，姿态笨拙而拘谨。在《最后的晚餐》耳边还配置四幅小画，是描绘旧约中与圣餐有关的四个事件。其中有三幅以自然为背景，可以看出画家在处理人物和环境关系上比康宾又进了一大步。这幅《最后的晚餐》要比达·芬奇的《最后的晚餐》早画30年。•名词解释——哥特艺术哥特是指野蛮人，哥特艺术是野蛮艺术之义，是一个贬义词。在欧洲人眼里罗马式是正统艺术，继而兴起的新的建筑形式就被贬为“哥特”(野蛮)了。哥特式艺术是十二至十六世纪初期欧洲(首先在法国)出现的一种以新型建筑为主的艺术，包括雕塑、绘画和工艺美术。建筑风格：一反罗马式厚重阴暗的半圆形拱门的教堂式样，而广泛地运用线条轻快的尖拱券，造型挺秀的小尖塔，轻盈通透的飞扶壁，修长的立柱或簇柱，以及彩色玻璃镶嵌花窗，造成一种向上升华、天国神秘的幻觉。反映了基督教盛行的时代观念和中世纪城市发展的物质文化面貌。代表作品有法国的巴黎圣母院、德国的科隆教堂、英国的林肯教堂、意大利的米兰教堂等。有人说罗马建筑是地上的宫殿，哥特建筑则是天堂里的神宫。各地哥特式风格不断的融合，最后趋于近似，因而也称“国际哥特式”哥特式绘画的特点——高雅、富丽、鲜艳、装饰性强、广泛使用金箔，人物修长、衣着华丽，主要描绘美丽的贵妇和骁勇的骑士，而不是有钱人和百姓。作品空间不求真实，不注重透视的准确，宁愿尽心描绘与主体无关的琐碎之物。德国文艺复兴美术德国文艺复兴开始于15世纪，兴盛于16世纪。这一时期许多艺术家对社会矛盾、对农民战争、对宗教改革、对人的生活环境和生活现象表现出极大的关心，随着人文主义的蔓延，艺术家都力求在作品中去体现自己的视点。在绘画中，德国艺术家接受了意大利和尼德兰的影响，细致入微的描绘、再现各种各样的自然景物。肖像画、风景画开始以独立的画科出现，版画更是代表了欧洲的最高水平。这一时期最为出色的画家是丢勒（1471_1528），荷尔拜因(1497_1543年)丢勒（1471—1528）。丢勒是文艺复兴时期德国最伟大的画家，与文艺复兴三杰同一时代，他是达芬奇似的全才。但他却没有出生在开放繁荣的意大利，而是饥荒、瘟疫、思想和信仰混乱的德国最黯淡时期，纽伦堡一个首饰匠家里。他从小就接受金银首饰工艺所必需的雕刻和绘画技艺训练。他在继承德意志绘画传统的同时也广泛学习了意大利文艺复兴的绘画理论，是第一个掌握了意大利人的比例、透视以及立体感技术的北方人。丢勒的第一幅重要作品是他十三岁时的自画像。这也是西方绘画史上现存的最早的一幅自画像作品，开创了自画像这样一个绘画范畴。丢勒还是位美术理论家，著有《绘画概论》《人体解剖学原理》。丢勒的全部艺术活动是和德国的人文主义进步思想联系在一起的，他是德国第一位真正的有思想的艺术家。1528年4月死于严重的肝脏病，终年57岁。1498年的自画像这幅是他27岁时的作品，时髦、浪漫、自信。画中的丢勒身着精致的服装，卷发披肩，浅色胡须，面孔庄重。在丢勒的肖像画中，面部五官、尤其是眼睛和嘴的形体刻画，都具有十分强烈的个性特征：他的眼睛明亮，神态优雅，有着希腊人称为四角形的鼻子，长长的颈项，宽阔的胸脯，窗外夏日的阳光注解了肖像时间的特定性。亚当与夏娃丢勒游历艺术之邦意大利最大的收获，是对人体艺术的兴趣，《亚当与夏娃》采用祭坛屏板的样式，将亚当与夏娃分别画在两块竖板面上，人物形象顶天立地充满画面空间，形成独立的两幅男女裸体像。夏娃作行走状，她左手去摘被禁的善恶果，右手扶在树枝上，吊着的那块标签是丢勒的签名。形式上受到威尼斯人体艺术的启迪：体态娇艳，色彩丰富，笔触细腻。夏娃和亚当身体呈现正面全袒露状，一种开放的时代意识。表明他们已从中世纪的神坛走到了人间。四使徒——丢勒描绘的是福音书中的四位圣徒：约翰、彼得，保罗、马可，人物神情各具特色，高大而有气魄。穿红衣的约翰是以当时宗教改革真实人物形象为原型刻画的。在画的下端，丢勒摘抄了圣经中反对邪恶，伸张正义的句子，体现了参与正义事业的决心。人物的动作、姿态、神情有区别，又有呼应联系，动与静、俯与仰，单纯中有变化，变化中又有和谐统一，人物形象具有真实感和立体感。这些都显示出画家对明暗色调的深刻理解和艺术处理的高超技巧。万名基督徒的殉教——丢勒基督教的兴起和发展引起罗马帝国的严厉镇压，凡被残害的基督徒统称为殉教者。丢勒描绘的这个集体大屠杀场面是人间最残酷的悲剧场面。从教徒们的动作看，他们都默默的为信仰而献身，既不屈服也不反抗，听从命运的安排。画家将这残酷的刑场置于美丽的大自然中，使圣洁和宁静的美丽世界充满杀戮和罪恶。荷尔拜因(1497——1543年)欧洲文艺复兴时期很多大画家都擅长画人物肖像，但终生从事肖像画创作，成就盖世者唯荷尔拜因一人。15世纪，欧洲许多国家已风行油画，而英国画坛还在沉睡中，直到1532年荷尔拜因移居英国以后，英国才开始有了油画。汉斯·荷尔拜因的父亲是德国奥格斯堡地方的一位画家，史称老汉斯·荷尔拜因。因此他为小荷尔拜因。他自幼从父学习绘画，18岁时迁居瑞士的巴塞尔，后又游历意大利，他曾访问过米兰，他在那里见识了达芬奇的作品。深受意大利文艺复兴诸大师的思想和艺术影响，同时与德国的人文主义者过从甚密，逐渐成为一个人文主义画家。他曾为人文主义学者伊拉斯莫斯画过肖像。荷尔拜因他非常注重眼神刻画，使人物神形毕肖，在艺术效果上类似于当今的照片。他的肖像画在欧洲确实起着领先的作用。1536年，荷尔拜因成为英国国王亨利八世的宫廷画家，可悲的是伦敦流行的鼠疫，夺去了这位年仅46岁的大师生命。埃拉斯穆斯像——荷尔拜因画中人是荷兰学者，倡导宗教改革的著名人士。作者以对他的仰慕精心画了这幅被称为肖像画经典的作品。画面形象塑造得十分洗炼，构图单纯中见变化。画家以三个层次处理色调，面孔和手作为亮部，在浓重的厚皮毛大衣和帽子的衬托下，对比强烈而更加突出。背景单纯中略有变化，衬托了学者那安详、深沉、智慧的脸，这是一幅构图独特的肖像画。埃拉斯穆斯本人对这幅肖像画评价极高，认为不仅形似，而更重要的是表现了人物性格的本质。（帽子是当时德国男人的宠物）埃拉斯穆斯像——荷尔拜因法国公使——荷尔拜因这是一幅双人全身肖像，据考证左边是法国驻英大使丁特维尤，右边是外交官、主教塞尔维。画中人物作对称式分列于杂物台两侧，姿态类似照相，显得呆板。画家不以单纯刻画人物面部神态为主，而是整体地描绘人物的姿态动作和环境，在整体描绘中显示出人物的身份